Critique du film Ghost Team 2016

Basé sur le bref résumé que j'ai reçu, "Ghost Team" sonnait comme une comédie d'horreur sur une bande de marginaux fantômes-chasse joués par des noms familiers comme "Napoleon Dynamite" de Jon Heder. Au mieux, je pensais que ce serait un New World Pictures style knock-off de "Ghostbusters"; au pire, je pensais que ce serait un Empire Pictures style knock-off de "Ghostbusters". J'étais très bien avec soit les résultats, parce que vous savez que j'aime poubelle. Mais "Team Ghost" est ni effrayant, ni drôle. Le plus proche, il vient à une peur légitime est un sing-along mis à Gary Wright "Dream Weaver," et le seul rire est courtoisie de téléphone Mlle Cleo inspirée d'Amy Sedaris psychique. Vous devez attendre 78 minutes pour cela, mais il est là.

L'équipe fantôme est un équipage hétéroclite sélectionné par les amateurs de paranormal Louis (Jon Heder). Louis possède une imprimerie où il passe ses journées à l'impression de nombreuses copies des avis d'animaux perdus. Lorsque son émission préférée, "Getters Ghost," commence un concours à la recherche d'un nouveau chasseur de fantômes, Louis croit qu'il peut trouver des preuves visuelles du paranormal, qu'il peut présenter comme son inscription au concours. Pour l'aider dans sa quête, Louis crée sa propre version de l'équipe «Getters Ghost», qui comprend un technophile, un co-leader, un chercheur, une personne de sécurité et une clairvoyante. Pour combler ces postes, Louis choisit:

Ghost Team 2016

Son copain, Stan (David Krumholtz), qui dort dans une voiture et pense que sa fiancée a été enlevé par des extraterrestres le jour de leur mariage; son neveu Zak (Paul W. Downs), qui travaille dans un Micro Center; excès de zèle rent-a-cop Micro Center, Ross (Justin Long); psychique Victoria (Amy Sedaris) et Ellie (Melonie Diaz), le travailleur de salon de beauté qui travaille juste à côté de la boutique Louis.

Vous pouvez comprendre ce travail qui fait sur votre propre. Croyez-moi, il ne sera pas question.
Louis assemble cette équipe après un vieil homme lui demande d'imprimer et stratifié plusieurs signes "No Trespassing". Le vieil homme yammers sur sur la propriété qu'il veut protéger, piquer l'intérêt de Louis seulement quand il dit que ce pourrait être hanté. Armé de l'adresse (que nous ne savons pas comment il a obtenu), Louis et Voyage Esprit d'équipe là-bas avec toutes sortes de matériel volé de Micro Center. Ceci est le moment où "Team Ghost" se transforme en un épisode long-métrage de la bande dessinée originale "Scooby-Doo", avec ses personnages en cours d'exécution passé le même décor de fond à plusieurs reprises.

Si vous avez vu "Scooby-Doo" dans l'une de ses incarnations animées, vous ne pas besoin de voir ses personnages carte à leurs homologues de dessin animé plutôt bien "Ghost Team.": Louis et Ellie sont Fred et Daphne, Zak est Velma, Stan est Shaggy, Victoria est Scooby-Doo et le Ross odieux est Scrappy-Doo. Tout en essayant d'attraper les «fantômes», les membres de l'équipe subdivisée et entrer dans des problèmes mystérieux de leur propre. Il y a même un méchant dont les liens avec la "happenings fantomatiques" non seulement masquent un plan plus sinistre, mais pour me aider, Dieu, il aurait pris la fuite avec elle si elle était pas pour ces enfants perturbatrices et leur psychique. l'équipe fantôme montre même jusqu'à le «mystère sur nos mains "dans un fourgon curieusement couleur.

Je fais mieux ce son que ce soit, surtout pour les fans Hanna-Barbera. Mais si vous vous attendez "The Haunting" ou "Ghostbusters" ou "The Breakers Ghost" ou en enfer, fantômes en général, vous serez très déçu avec ce film. Il prend trop de temps pour l'équipe de commencer la chasse aux fantômes, et le scénariste Peter Warren nous conseils hors de ce qui cause l'activité paranormale trop tôt. Ce que nous nous retrouvons avec ces personnages sont une note, dont les problèmes triste sac du premier monde mineur ne valent pas toute l'empathie du public que ce soit.

En outre, chaque acteur côtes par les restes de types de caractères qu'ils ont joué dans d'autres, à l'occasion de meilleurs films. Seulement Melonie Diaz et Sedaris parviennent à laisser une impression durable, éphémère si elle peut être. Diaz apporte un sperme de déchiqueteuse à son rôle esthéticienne, qui est le mieux utilisé dans une scène où elle arrête la tentative de Heder pour obtenir son seul sur la chasse aux fantômes. Et l'incrédulité cynique Sedaris que quiconque prendrait son faux psychique sérieux est une métaphore de la réaction du spectateur à "Ghost Team." Ensemble, les dames gagnent la moitié de l'une étoile ce film mérite.

L'autre demi-étoile est pour le plaisir des notes horreur de type film de Joe Hastings. Il est tout stingers maladroit et pressentiment sinistre. Vous voulez regarder le film devrait être soulignant. Puis-je suggérer cette musique accompagnent des images documentaires de la distribution d'encaisser les chèques qu'ils gagnaient trop facilement pour leur travail ici? Il serait beaucoup plus convaincant que "Ghost Team." Funnier et effrayant, aussi.

Critique du Film Joshy 2016

Pour le meilleur et pour le pire, "Joshy" crée believably la sensation d'un week-end discret accrocher avec un tas de bros. Vous auriez probablement pas envie de passer beaucoup de temps avec ces personnes vous-même, mais au moins ils sont jamais ennuyeux.

Avec son deuxième long métrage, scénariste / réalisateur Jeff Baena améliore son ambitieux mais tonalement incompatible comédie zombie "de la vie après Beth." Il a réuni un groupe d'acteurs d'improvisation qualifiés avec des racines dans la comédie de télévision, film indépendant, ou les deux et a travaillé avec eux pour développer leur propre dialogue à partir d'un traitement. Ils ont vécu ensemble dans quelques maisons louées dans la pastorale (et branché) destination escapade de Ojai, en Californie, et tourné dans l'ordre chronologique. Beaucoup d'entre eux étaient des amis ou avaient travaillé ensemble, et que la familiarité donne le filmer, une ambiance habitée confortable, malgré la tension sous-jacente qui fermente fréquemment entre les personnages qu'ils jouent.

Joshy 2016

Le shaggy, la nature sinueuse du "Joshy" rend imprévisible, mais elle rend aussi un peu lâche au point où les pantalons de stimulation d'un bit. Alors que les personnages principaux sont tous distincts, ils ont aussi ne se sentent pas comme des gens complètement développés. Et l'embarras du casting signifie que nous obtenons seulement alléchant, des aperçus trop rapides d'engager des acteurs comme Jake Johnson, Lauren Graham, Alison Brie et de la vie réelle petite amie de Baena, "Life After Beth" star Aubrey Plaza.

Thomas Middleditch de «Silicon Valley» de HBO est la vedette cette fois comme le caractère de titre doucement discret. L'engagement de Joshy à brièvement-vu Rachel (Brie) se termine brusquement au début du film. (Vous pouvez lire ce qui est arrivé ailleurs;. Je ne vais pas la gâcher pour vous ici) Mais quand son meilleur ami, Ari (Adam Pally), réalise quatre mois plus tard qu'il ne peut pas obtenir le dépôt de retour sur la maison qu'il «D loué pour l'enterrement de vie, les gars décident de se diriger vers Ojai de toute façon à remonter le moral des Joshy pour le week-end.

Joshy, Ari, Eric fanfaron (Nick Kroll) et Adam tendu (cinéaste indépendant Alex Ross Perry) comprennent le groupe initialement. Mais Eric invite ensuite le long de son copain aussi fort en gueule, Greg (Brett Gelman), que personne ne connaît, pour le facteur de parti. Finalement, ils ont tous se rencontrent dans un bar local avec Jodi Jenny Slate, qui est en ville pour célébrer son anniversaire et qui frappe une connexion coquette avec marié, nouveau-père Ari.

Donc, ce qui était censé être un week-end sans stress pour quelques amis de se réunir autour d'une bière et des jeux de société se transforme en un spectacle de plus en plus rauque de médicaments, baignoire à remous de saut, décapants et plus. Pas le nouveau concept plus pour un film, il est vrai. Mais ce qui maintient intrigante "Joshy" est qu'aucun de ces activités sont aussi plaisamment sauvages comme ils sont censés être. Quelque chose se passe toujours tort, ou du moins va décalé.

"Joshy" est à son meilleur quand explorer la façon dont les hommes dans leur 30s se regardent-comment ils se sentent les uns les autres et essayer de marquer un point l'autre comme ils sont l'établissement de leurs propres identités toujours changeantes. Kroll et Perry en particulier, engagent dans un push-pull agréable car ils passive-agressive tentent d'exercer un contrôle sur la direction et le ton du week-end. Et toujours adorable Jenny Slate apporte un grand besoin, la présence féminine au chaud comme au hasard, nouvel ami.

Mais même si beaucoup de leurs échanges improvisés sont divertissants, un sentiment persistant de «Qui sont ces gens?» Laisse le film en fin de compte le sentiment insatisfaisant. cinéastes mariés Real-vie / acteurs (et chouchous indie) Joe et Kris Swanberg apparaissent avec leur jeune fils à mi-chemin, sans raison apparente et laissent tout aussi rapidement. Et une confrontation troisième acte avec les parents de l'ex-fiancée de Joshy (Paul Reiser et Lisa Edelstein) prend le film dans une direction tout à coup plus sombre secousses dont il récupère jamais tout à fait.

Pourtant, peut-être la meilleure façon de voir "Joshy" est de savoir comment vous l'approche des vacances de week-end avec un groupe de vos propres amis au hasard: avec de faibles attentes et l'hypothèse que tout ce qui arrive, arrive.

Critique du Film Blood Father 2016

Quand Mel Gibson a été devenir connu comme un acteur de cinéma, il a eu beaucoup de choses évidentes qui vont pour lui: talent d'acteur, de bons regards, la robustesse, un charisme qui pourrait atterrir sur chaque côté de "sournois" ou "menaçant." Dans d'autres mots, sans doute, toutes les conditions de la célébrité. Mais il était intéressant au-delà, à cause des films qu'il était. Pictures comme "Mad Max" et "The Year of Living Dangerously" ont été debatably tableaux de genre, mais ils avaient l'énergie et l'intelligence qui était bien au-delà générique. Il semblait aussi que Gibson avait des alliances significatives avec les responsables de ces films, les réalisateurs George Miller et Peter Weir. Que ce soit juste un hasard que tous ces gars-là ont été à venir dans l'industrie cinématographique australienne en même temps ou si Gibson lui-même était en effet un acteur plus-discrimination que la moyenne film n'a pas d'importance; il avait l'air bien. Et quand Gibson fait son grand-Hollywood se déplacent dans "Lethal Weapon" il l'a fait, mais il est difficile de se rappeler vraiment bien maintenant, jouer une variante assez étrange du risque-tout-cop-héros.

Je ne veux pas de ressasser les explosions personnelles perpétrées par Gibson qui, entre autres choses, a mis sa carrière dans une sorte de purgatoire. Je peux en déduire, cependant, qu'un suiveur Gibson occasionnel découvrir que cette semaine, il tient la vedette dans un thriller d'action appelé "Blood Père» peut se déduire que Gibson travaille son chemin hors de ce purgatoire via la Cage voie de tournage hâtivement conçu et assemblé Nicolas -em-up écrivaillerie. Je suis heureux de rapporter ce n'est pas réellement le cas. Pointant à un sans gras 88 minutes, "Blood Père," dirigé par Jean-François Richet (l'homme derrière le Vincent Cassel gangster épique "Mesrine") est un moyen efficace et agréables bad-man-tente-à-go-bonne exposition qui donne Gibson amplement l'occasion de fléchir son désormais un peu grisonnant-musculaire star de cinéma.

Le film ouvre avec un tir d'une jeune fille dans la circulaire une personne disparue, puis coupe à un tir d'une bande transporteuse de détail sur le marché beaucoup de boîtes de balles en mouvement, et enfin un paquet de chewing-gum. La jeune femme d'acheter les trucs, Lydia (Erin Moriarty) est la fille de la brochure; quand elle demande qu'un paquet de Camel Lumières ajouté à son achat, le caissier lui demande une preuve d'âge. Trouver? Heureusement que ce premier et dernier risque du film dans effarouché "Is not That Murica? '" Humour. Lydia délivre les munitions pour une voiture pleine de ses copains louches, dont un en bas lissés Diego Luna, et ils sont hors sur une assez mauvaise mésaventure.

Couper un gros plan de Gibson, son visage très bordée partiellement couvert par une barbe très complet, une confession dans une réunion des AA. ex-con de Gibson John lien est deux ans d'abstinence, a un sponsor vigilant nommé Kirby (William H. Macy), et dirige un salon de tatouage sur une grande remorque dans une Californie parc très peu peuplée de la remorque. Et sur le corkboard à l'entrée de la remorque est, oui, que les personnes manquantes dépliant avec la photo de jeune Lydia sur elle. Donc, vous savez qui va être à l'autre bout de la ligne lorsque les anneaux de téléphone.

«Père de sang», écrit par Peter Craig et Andrea Berloff d'un roman de Craig, évite, au moins pour la plupart-les clichés des thrillers père protège-fille rendu célèbre par Liam Neeson en donnant un peu de la fille bad-apple-ness, ou mauvais-assness, elle-même. Elle est dans une mauvaise situation et elle est aussi accro à la drogue et l'alcool, donc une fois un lien se précipite pour la prendre sous son aile, il a également obtenu un projet de réadaptation à aborder. Au sommet de laquelle il est pas un homme de moyens-il n'y a pas arsenal caché sous le plancher de sa remorque. Pendant un temps, il a seulement son intelligence pour vivre, et ceux qui ont été quelque peu brouillé par ses conditions de vie, pour ne pas mentionner la réunion soudaine. Il est rafraîchissant d'entendre le père et la fille cuss les uns les autres et avoir ni une pause pour faire une remarque au sujet de mauvaises manières, ils ont tous deux parlent le même langage profane. Ce qui ne veut pas dire le caractère de Gibson est tout type de papa permissive. Lorsque Link et Lydia vérifier dans un motel ensemble, un jeune clerc google-eyed (Thomas Mann) demande conspirateur, "Où as-tu la trouver?» «Dans la salle d'accouchement," Gibson tire en arrière, ce qui implique à la simple ton et accélérer toutes les les moyens qu'il tueraient l'autre gars si on leur donne une excuse.

Tout comme le film pourrait utiliser une infusion de vilenie, Michael Parks se présente comme un ancien associé criminel de lien est qui vend maintenant des souvenirs nazis en ligne de son ranch désolée, et Parcs fait un repas de la partie. Le film construit une bonne tête de la vapeur avant de délivrer un très satisfaisant wrap-up, et la torsion dans le point culminant se sent légitime parce Richet laisse le public à comprendre que Link de jouer la seule carte qu'il a. Assurez-ce que vous de la façon dont la performance de beaucoup Gibson tire de sa propre lutte de démons personnels; il suffit de dire que la ligne "Vous ne pouvez pas être une piqûre toute votre vie et dire simplement jamais l'esprit» a une piqûre qui ne serait pas là dans un film, il n'a pas été en vedette dans.

Critique du Film Disorder 2016

Vincent est un soldat des forces spéciales françaises qui est de retour d'Afghanistan. Il a subi une perte auditive aiguë, et il est incertain si oui ou non il peut retourner à la bataille (qu'il veut faire). Il souffre également de stress post-traumatique sévère. Il a du mal à distinguer les menaces légitimes parce que tout semble menaçant. Sa tête est remplie de bourdonnement et la sonnerie de son oreille endommagée, et il serre souvent ses mains sur sa tête, masser, en essayant de faire le bourdonnement aller, essayer de tasser le chaos interne. Joué par Matthias Schoenaerts, Vincent est un homme tourmenté et inarticulé, et le centre de rivetage de sexy, suspense implacable d'Alice Winocour "Trouble".

Alors qu'il attend d'être renvoyé à la guerre, lui et ses copains de l'armée obtenir des emplois dans un détail de sécurité, leur premier concert de travail une partie à un manoir appartenant à un homme d'affaires libanais nommé Imad Whalid (Percy Kemp). Whalid vit là avec sa femme Jessie (Diane Kruger) et petit fils Ali (Zaïd Errougui-Demonsant). Les écrans de télévision se multiplient dans chaque espace, montrant des ancres de nouvelles spéculations sur un scandale politique impliquant de plus en plus d'armes traitant international et politiciens français qui pourraient renverser des gouvernements et des sociétés. juste un soldat de Vincent, même si elle est hautement qualifié. Il a été envoyé pour mener une guerre par le pouvoir, les gens de ce parti même. Sa santé et son esprit ont fait naufrage pour elle, tandis que ceux à la maison a obtenu de rester en sécurité et inconscients. Il n'a rien à dire dans la façon dont son pays l'a utilisé, puis lui éjecté. le sixième sens de Vincent lui dit que quelque chose est très mal à ce parti, mais il ne sait pas quoi.

Disorder 2016

Cueillis à la main par Whalid pour garder Jessie et Ali tandis Whalid sort du pays d'affaires, Vincent installe dans une nouvelle routine, se promenant dans les jardins, la vérification des serrures, la conduite de la femme et enfant pour une sortie à la plage. Diane Kruger est belle et fragile ici, avec des giclées de netteté, et une attitude impérieuse occasionnelle vers Vincent. Vincent est presque timide avec elle, sentant les grandes différences de classe entre eux. Il n'a pas de problème liaison avec le chien de la famille, mais (une belle touche, rappelant le commentaire de Arthur Miller à Peter Bogdanovich pourquoi sa défunte épouse Marilyn Monroe se entendait si bien avec les enfants et les animaux: «Ils ne se moquent de lui. ») Dès le premier moment, il vit Jessie, pleurer dans une chambre au cours de la partie, Vincent est intensément attiré par elle. Comme brisé comme il est, il est un protecteur naturel. (Schoenaerts joue souvent des rôles, le plus mémorable dans "Bullhead" et "Rust and Bone." Il est merveilleux hommes de jeu liés dans les muscles, incapables de lâcher leur tendresse tout aussi puissant. La vulnérabilité des Schoenaerts comme un acteur le conduit vers une rude et type honnête de la vérité.)

Comme le film plonge dans un thriller home-invasion, avec des voitures garées mystérieuses à la fin de l'allée et des ombres traque la maison, certains spectateurs peuvent se sentir qu'ils ont tout vu avant. Mais Winocour a une telle approche unique du matériel familier que les clichés (ce qui est, après tout, un film de genre) ne sont pas pertinents. Toute l'histoire est racontée uniquement du point souvent déformée de Vincent de vue. En raison de ses défis physiques et émotionnels considérables, la plupart des séquences ont une qualité hallucinatoire, à commencer par le parti, où Vincent erre à travers la foule en slo-mo (la caméra traînant derrière lui, comme il le fait tout au long), la musique de danse de lancinante ligne basse, un son Vincent se sent, plutôt que entend. Le cerveau de Vincent, déjà inondé avec un excès d'adrénaline, ne peut pas absorber ce qui vient de lui; il ne sait pas si ce qu'il perçoit est réel ou une manifestation fantôme de traumatismes de guerre. Sa confusion saigne dans l'auditoire. Nous nous interrogeons sur sa fiabilité en tant que narrateur. Il est extrêmement efficace. Dans une séquence étonnante sur la plage avec Jessie et Ali, Vincent détecte une menace, comme un animal détecte un prédateur approche, même si elle est encore invisible. En état d'alerte, il balaie le paysage bénigne pour ce qu'il sait est là-bas.

La conception sonore (par Nicolas Becker) est un show-bouchon. Il est omniprésent, nous forçant à espace de tête de Vincent à tout moment. Tout est déformé et désorientant. Les voix sont Fuzzed-out. arroseurs de pelouse sonnent comme Niagara Falls. Un vide éclate dans un rugissement. Brian De Palma de "Blow Out" vient immédiatement à l'esprit, ainsi que Francis Ford Coppola "The Conversation", des histoires avec une obsession similaire avec son ainsi que des atmosphères de paranoïa politique fantasmagoriques.

Il est merveilleux, scène-travail complexe effectué par les acteurs, en particulier dans une scène où le copain de sécurité de Vincent vient à la maison, et flirte si facilement avec Jessie que Vincent regarde, inquiet et jaloux. Il a laissé de côté. Rien est facile pour Vincent. Il y a une autre scène, tard dans le jeu, où Jessie, qui a maintenant passé plus de temps avec Vincent que son propre mari, raconte Vincent sur la façon dont elle pourrait le voir déménager au Canada et vivant à l'état sauvage, ce qui était son vrai milieu. Vincent rit en fait, mais Schoenaerts ajoute la timidité, et la surprise que tout le monde, surtout le son-donne une seconde pensée, voit une alternative possible pour lui, le voit tout. Il est des moments comme ça quand Winocour, un directeur extrêmement doué (qui a également co-écrit superbe "Mustang," l'année dernière une autre histoire sur les gens pris au piège dans une maison), montre vraiment ses cartes, ce qui l'intéresse. C'est lui.

Schoenaerts est un acteur majeur. Il est une telle présence physique forte que ses meilleurs rôles ont utilisé explicitement, ce qui rend son corps et de sa taille une partie intégrante du caractère. Ce qui le rend un grand acteur est que sa sensibilité et de l'inventivité subtile (en termes de comment la réalité psychologique se révèle à travers le comportement), est égale à la taille de son corps. Son est pas seulement un, cadeau naturelle et instinctive. Il est un acteur intelligent au travail, comprendre que la chose la plus importante est ce qui se passe dans sa tête. "Trouble" est tendue et effrayant, beau à regarder et encore plus magnifique à entendre. En fin de compte, il est aussi extrêmement émouvant. C'est la partie la plus excitante de tous.

Critique du Film Florence Foster Jenkins 2016

Les cris que Florence Foster Jenkins émet en forçant pour les notes élevées sonnent comme si elle était une oie essayant de pondre un œuf surdimensionné après l'ingestion de l'hélium. Son emplacement ne pourrait pas être plus plat si elle était une crêpe au bulldozer trouvé sous une tonne de briques. Au cours de son exécution publique seule, elle halète et bouffées et souffle dans Carnegie Hall en commettant une agression auditive dans le premier degré près.

Mais à un moment tout en regardant "Florence Foster Jenkins,« Je peux vous garantir que vous trouverez de plus en plus très friands de ce début du 20ème siècle New York City douairière, en dépit de ses illusions tympan-poinçonnage d'être un chanteur d'opéra Valkyrie niveau. En effet, dans ce biopic charmant et délicieux qui porte son nom, le Jenkins matrone est un stand-in attachant et courageux pour d'innombrables autres mortels dont les aspirations dans les arts souvent dépassent de loin leurs talents

Florence Foster Jenkins

Alors que la plupart d'entre nous ces jours-ci seraient tout simplement se contenter de karaoké, Jenkins était en possession d'un ingrédient magique qui a contribué à faire ses vœux du spectacle viennent vrai argent. Gobs de celui-ci, héritée de son père. En tant que promoteur généreux et gracieux de la musique dans de nombreuses formes, Jenkins a investi à bon escient. Elle était un bienfaiteur chummy aux célèbres goûts de chef d'orchestre Arturo Toscanini et formé un club pour sa coterie de fans qui comprenait des déjeuners débordant de sandwiches et salade de pommes de terre, d'une baignoire passion donnés réelle. Elle avait aussi sa propre boîte de nuit privée où elle met en scène tableaus vivant, dont un qui a impliqué sa pendaison précairement au plafond vêtu comme un ange tandis qu'une équipe d'hommes engagés dans une lutte titanesque pour garder sa forme dodue en altitude au moyen d'une poulie.

Jenkins est également béni d'avoir Meryl Streep, arrachant encore une autre transformation physique miraculeuse qui est aussi délicieux à sa manière comme sa représentation joyeuse du célèbre chef Julia Child dans «Julie et Julia." Diva préférée d'Oscar repose sur un grand nombre de son habituelle astuces pour ongles non seulement les oft-fois des éléments doucement burlesques embarqués dans le rôle, mais capturent également le caractère poignant d'une femme de 76 ans qui chérissait la musique tellement elle a mis sa propre santé en danger afin de partager sa passion à vie avec les autres. Avec un tour de taille élargie, prime les rides du visage, une perruque évidente pour déguiser une tête chauve et une garde-robe composée de robes de tous les jours qui ressemblent à des tentes fleuris ou des costumes ornés de scène de senorita, l'actrice met toute la vanité de côté et nous fait croire qu'elle est cette personne.

le plus grand triomphe de Streep, cependant, est de savoir comment elle émule totalement unique, stridence vocale de son personnage. Sa propre formation d'opéra précoce est très pratique ici et quand un enregistrement de Jenkins est entendu avant le générique de fin, il devient étonnamment clair à quel point l'homme Streep est à chanter mal.

Elle est également pas le seul à donner vie à ce qui aurait pu tout simplement été un peu moisis vieux morceau de période de dame. Le réalisateur britannique Stephen Frears, qui a déjà prouvé être aptes à mettre en valeur les femmes étonnant d'un certain âge (Helen Mirren dans «The Queen», Judi Dench dans "Madame Henderson présente" et "Philomena"), cajolé Hugh Grant sur demi -retirement à jouer Jenkins consacré conjoint de St. Clair Bayfield. Il est une bonne chose qu'il a fait, aussi, puisque Grant donne un de ses plus belles performances jamais.

Dans un premier temps, il est facile de se méfier de Bayfield, un acteur shakespearien médiocre, dont le but principal est de radoter sur Jenkins, lui livrer tous les caprices et la protéger d'entendre toute réaction dure à ses airs rances. Grant a fait sa juste part de goujats au fil des ans. Est-il juste un gigolo pillant ses richesses pour ses propres gains, surtout depuis qu'il garde un appartement séparé avec un beaucoup plus jeune maîtresse? Mais il devient évident assez tôt qu'il ya un lien profond et sincère entre la paire comme il l'appelle tendrement «lapin» et elle palpite en présence de son protecteur dévoué comme une écolière étourdie.

Et où est ce prodige comique Simon Helberg cachait tout ce temps? Sur "The Big Bang Theory" de la télévision pendant 10 saisons, c'est là. Qu'est-ce que Alden Ehrenreich était de «Salut, César!» Plus tôt cette année-une vedette parmi les étoiles qui est ce que Helberg est aussi Cosme McMoon, timide, accompagnateur de pigeon torse de Jenkins, qui est souvent sur le bord de l'hystérie complète quand pas étouffant fou rire sur les carences de son employeur gazouillantes. Lui aussi, acquiert une respectueuse affection pour Jenkins, comme l'a révélé dans une scène tranquille où ils effectuent un intime duo de piano Chopin qui touche assez pour arracher des larmes.

L'histoire elle-même est fascinant, mais vire trop loin vers le ouvertement sentimentale comme il conclut. Mais dans une saison estivale film lourd plutôt hors-clé sur le matériel rabâché, "Florence Foster Jenkins" va frapper un accord avec ceux qui recherchent un soulagement sous la forme d'originalité, de haut niveau jeu et le chant incroyablement godawful. Un bonus supplémentaire? Le sens de la bonté accordée à son grand central dame, une marchandise qui a été à court d'approvisionnement tard, un concours politique insulte rempli laid marche sur.

Critique du film Hell or High Water 2016

Après un été rempli de rechapage, ripoffs et tout au nom de Dieu que de chose avec Kevin Spacey comme le chat de parler était censé être, la plupart des spectateurs sont au point où ils sont désespérés pour quelque chose qui ne ressemble pas à elle va insulter activement leur intelligence. À première vue, "Hell or High Water" semblent être tout simplement le candidat-il est écrit par Taylor Sheridan, dont le premier scénario produit est devenu dernier suspense largement acclamé de l'année "Sicario," et réalisé par David Mackenzie, le cinéaste britannique derrière une telle œuvres intrigantes que "Young Adam", "Perfect Sense" et "Étoilé Up". "Hell or High Water" propose même un casting mené par le trésor national qui est Jeff Bridges. et pourtant, alors que les cinéphiles désespérés de voir tout ce qui n ' t impliquent un super-héros peut être prêt à oublier ses lacunes, d'autres seront sans doute déçus de constater qu'il est un peu moins que la somme de ses parties.

Au début du film, les frères Toby (Chris Pine) et Tanner (Ben Foster) arrivent à un Texas Midland succursale bancaire à distance pour le voler. Bien qu'il y ait quelques ratés, ils font le match avec les factures en vrac dans les registres. Ils procèdent ensuite à faire la même chose à une autre branche de la même banque, et alors que les choses vont un peu plus lisse, le résultat final est le même. Comme effrénées de la criminalité vont, ces emplois ne sont pas si impressionnant sur la surface, mais, comme nous découvrons bientôt, il y a beaucoup plus de choses avec eux que rencontre l'oeil. Texas Midland est la banque, nous apprenons rapidement, qui a récemment saisis sur le ranch familial après quelques manœuvres louches mais juridiques. Pour éviter de perdre la place et tout ce qu'il représente (ce qui est beaucoup plus que rencontre d'abord l'oeil), le Toby tranquillement intelligente a frappé sur un plan ingénieux pour voler une chaîne du Texas Midland branches seulement de prendre l'argent de registre pour éviter les paquets de colorant et l'intérêt de toute personne autre que les flics-et locales puis en utilisant leur propre argent pour rembourser la dette. Il a même trouvé un moyen particulièrement intelligente de blanchir la prise. Sinon pour le danger occasionnel représenté par la Tanner plus hotheaded, il semblerait que le crime parfait spree-personne ne se blesse trop et la victime, franchement, a venir.

Hell or High Water

Alors que la plupart de la police enquêtant sur les vols en effet ne parviennent pas à leur donner de préavis, US Marshall Marcus Hamilton (Jeff Bridges), un représentant de la loi avunculaire sur le bord de la retraite qui vient à travers comme une combinaison de Columbo et vice-Dawg, est pas si sûr . Ce qui ressemble à sloppiness à ses collègues, pas même essayer d'aller pour le grand argent semble lui comme la planification extrêmement intelligent. Comme Hamilton et son partenaire demi-Comanche Alberto (Gil Birmingham) poursuivre leur carrière inconnue, ils développent même une certaine admiration pour les voleurs en raison de la discipline de conduire leurs vols. Cela dit, cela reste une activité criminelle, et quand Tanner décide impulsivement à tirer un hold-up sur son propre qui n'a pas la planification minutieuse des autres emplois, il donne juste assez d'informations pour Hamilton pour commencer à comprendre les choses. Elle exige également une accélération dans la planification de Toby, qui finit par jeter des choses hors de l'équilibre de manière surprenante et potentiellement tragiques pour tous les participants.

Les premières scènes de "Hell or High Water" sont les meilleurs. Après avoir vu tant de braquages ​​de banque méticuleusement chorégraphiées qui tentent leur possible de surpasser les goûts de "Heat", il est amusant de voir une mise en scène sur une échelle plus petite et plus réaliste. Il devient encore plus intéressant une fois que nous comprenons qu'il ya plus de choses que rencontre immédiatement le regard. Cependant, une fois écrivain Taylor Sheridan a établi le principe de base, il ne semble pas avoir beaucoup d'une idée de la façon de remplir l'heure ou entre ces premières scènes et les moments culminants. Au lieu de cela, il semble avoir choisi de raid le playbook Cormac McCarthy afin d'employer le ton rare et laconique du célèbre auteur chaque fois que possible. Parfois cela fonctionne, comme dans les lignes punchy et piquant du dialogue qui surgissent de temps à autre (Hamilton a un grand un quand il épie un directeur de banque, il veut parler et remarques, "Maintenant, qui ressemble à un homme qui pourrait exclure sur une maison ") ou, dans certains morceaux de sang humour noir, comme le moment où les frères essaient de prendre une banque où les clients sont d'emballage plus de chaleur que les gardes. Plus souvent qu'autrement, cependant, il essaie tant de mal à imiter les goûts de "No Country for Old Men" à des moments que vous pouvez sentir pratiquement forcer de l'effort sans trop en tirant dessus. La finale est une déception particulière-il est mis en scène et réalisé à peu près aussi bien que peut-être, mais toute la scène est tellement improbable qu'il ne parvient pas à avoir l'impact que Sheridan et Mackenzie clairement souhaité.

Même si aucun d'entre eux sont particulièrement révélateurs, les performances sont probablement la meilleure chose à avoir dans le film. Le plus surprenant satisfaisant du peloton vient de Chris Pine, qui tourne dans son meilleur travail à ce jour dans une partie qui trouve le composant sur le charme smirky de son nouveau capitaine Kirk dans le but de jouer un personnage beaucoup plus grave d'esprit. Comme son frère, Ben Foster est correct, mais à ce stade de sa carrière, il pourrait bien faire pour éviter de jouer des personnages dans le futur proche qui pourrait être décrit comme «twitchy.» Quant à Jeff Bridges, il est amusant de regar- bien sûr, on peut compter le nombre de ses performances non ludiques, d'une part, et encore de la place laissée sur dans le cas où "The Giver 2" devient jamais une chose, mais ce n'est pas une performance qui restera fortement à l'avenir Lifetime Achievement Award bobines en évidence. Parmi les différents tours de support, l'spikiest on vient de Katy Mixon comme serveuse d'os fatigué qui reçoit un gros pourboire à partir d'un Toby de culpabilisé et permet de Hamilton l'ont-pas l'argent quand il demande qu'elle cède la parole comme étant des preuves potentielles.

Il est frustrant que "Hell or High Water" contient tant de bonnes choses qui juste ne fusionnent pas dans une expérience cinématographique pleinement satisfaisante. L'histoire dans son ensemble est un peu trop dérivé pour son propre bien et pas même les éléments forts sont tout à fait en mesure de compenser. Bien sûr, vu que même des films vaguement compétentes ont été si rares que de la fin, certains téléspectateurs peuvent être un peu plus prêt à oublier ses défauts-pour paraphraser sauvagement l'une des principales lignes de "No Country for Old Men, »« Si ce n'est pas un bon film, il va faire jusqu'à ce que le bon film arrive. "Si seulement il avait passé un peu plus de temps à essayer de trouver sa propre voix et un peu moins ouvertement essayant de singer les styles de son influences, "Hell or High Water" aurait pu être aussi bien d'un film comme il le souhaite était.

Critique du film Pete's Dragon 2016

Il y avait quelque chose à propos de "Dragon de Pete,« une qualité que je ne pouvais pas identifier au premier abord, quelque chose qui le rendait différent de presque tous les autres grand film d'été, et sa présence était si subtil qu'il a fallu un certain temps pour comprendre ce qu'il était : silence.

Le silence de la forêt. "Dragon de Pete" est le remake de David Lowery de 1977 Walt Disney animé musical sur un garçon et son meilleur ami: un dragon qui peut devenir invisible. Il est le film de la deuxième enfants les plus doux de cet été, après Steven Spielberg "The BFG." - Un autre film lancé à des enfants âgés de sept à dix (et les adultes qui peuvent encore se rappeler ce qu'il a ressenti comme cet âge), mais qui échoué au box-office, même si elle a touché certains des mêmes accords émotionnels comme le chef-d'œuvre de Spielberg, "ET" Le film de Lowery doit un peu à Spielberg en général, et "ET" en particulier (le dragon est nommé Elliott, le nom du héros de "ET", il y a un personnage adulte Clés type qui est sur le côté des enfants, et la parties plus sarrasins et excités de pointage le canal de Daniel Hart John Williams). Il y a clins d'œil à des films de Spielberg-fléchies ainsi, y compris "The Iron Giant" (un autre garçon et-son-créature flick, située dans la forêt primitive). Mais il pourrait finalement avoir plus en commun avec des films de Terrence Malick, un hippie poète chrétien transcendantale qui n'a pas peur de mettre l'intrigue en attente et se promener avec un appareil photo, nous laissant l'expérience d'une vision raréfié du monde naturel. Les insectes ronronnement, les chouettes hululer dans la cime des arbres.

Pete's Dragon

Lowery, qui a apporté le Malick dans "Is not Them Bodies Saints," est dans ce mode à nouveau avec "Dragon de Pete," mais il a tendance à se retirer de tout ce qui pourrait être accusé d'être trop arty. La forêt et ses animaux se sentent présents, physiques, de manière que vous éprouvez rarement dans cette ère post-analogique du film de décision. Vous entendez les oiseaux gazouillent, ruisseaux, vent grincer les branches des arbres. Vous obtenez de belles, longs regards sur les visages, les cimes des arbres et des couchers de soleil. Et vous appréciez les bruits distinctifs du dragon fait quand il repositionnant son ventre écailleux-poil sur le sol de la forêt, ou déferlant ses ailes comme les voiles d'une goélette. Ils ne sonnent pas comme des bruits de monstre cartoony. Ils sont comme la mémoire d'un chien bien-aimé qui était vraiment grand, ou semblait grande, car ils étaient si peu d'un enfant. Elliott est une créature magique, mais plus que cela, il est un très gros animal, intelligent et plein de sentiment. Il ne bouge pas comme autant de bêtes de CGI-rendu dans le film contemporain. Il se déplace comme un dragon de taille moyenne se déplacerait si elle existait réellement, comme les dinosaures dans les films "Jurassic Park". Et quand il regarde Pete dans l'oeil, vous sentez une personnalité là. Une conscience. (Ceci est un film de dragon Top Five, par la manière, quoique mon enfant intérieur insiste sur le fait que le dragon "Dragonslayer" est toujours le meilleur.)

L'intrigue? Oh c'est vrai. Il n'y a pas grand-chose, et peut-être qu'il est une bonne chose qu'il n'y a pas plus, parce que le film fonctionne une heure et 42 minutes et se sent juste un peu plus longtemps, comme un conte goodhearted qui survit les enfants il est destiné à captiver. Jeune Pete (Levi Alexander) est à l'arrière d'une voiture pendant des vacances en famille au nord-ouest du Pacifique, la lecture de son livre préféré, "Elliott est perdu"; ses parents embardée pour éviter de frapper un cerf et mourir dans un accident. Lorsque les loups menacent l'enfant terrifié, Elliott apparaît comme un ange gardien, le sauve et lui parents. L'enfant est sauvage, rugueuse sur les bords, mais il est doux et prévenant, parce qu'il avait un bon modèle.

Vient ensuite un tronçon qui se joue comme le désert séquence île de "L'étalon noir" où les deux seuls personnages sont un garçon et son cheval. Il est cinq ans plus tard, mais peut-être pas dans le présent; le film est vague sur son calendrier, mais le manque de technologie moderne suggère qu'il est mis en avant les années 90. Pete et Elliott obtiennent ainsi comme des personnages disparus de "The Jungle Book." Ils jouent ensemble dans les moyens qui semblent audacieux et téméraire à toute personne qui n'a pas grandi dans les bois avec un dragon comme soignant. Dans une image mémorable, présenté dans la remorque, le garçon saute d'une falaise et les voiles de dragon vers le haut pour l'attraper; vous pouvez dire par leur nonchalance que ce n'est pas la première fois qu'ils ont fait cela.

Une vieille horloge de la ville, M. Meacham (Robert Redford), est connu comme étant la seule personne vivante qui a vu le dragon. La bête a une mythologie locale, comme Bigfoot ou le Yeti ou le Diable Jersey, mais il est maintenu en vie principalement par les histoires de Meacham. Sa fille Grace (Bryce Dallas Howard) n'a pas vu, ni a son fiancé Jack (Wes Bentley), un enregistreur, ou sa fille Natalie (Oona Lawrence). Lorsque la grâce trouve la vie Pete dans une cabane de l'auto-construit dans les bois et l'emmène à l'hôpital pour le traitement, le film passe en mode Frankenstein-et-les-villageois. Will Elliott sauver Pete de la civilisation? Est-ce que Pete sauver Elliott d'être capturé et mis sur l'affichage comme un caprice de la nature, ou pire, la mort par posse? Est-ce que le dragon cracher du feu? Maman, quand le dragon cracher du feu? (Ne vous inquiétez pas, enfant, ils ne pas mettre un dragon dans un film et pas respirer le feu.)

Il n'y a pas trop le film au-delà, à l'exception, des performances sur point restreints (par Redford et Howard en particulier), et cela se sent comme un choix délibéré, un tel non prise en compte délibérée de formule commerciale actuelle, que vous pourriez vous sentir exalté par la légèreté et de l'innocence sur l'affichage. Ceci est l'un de ces (apparente de taille moyenne ou) de taille moyenne films avec un grand coeur et beaucoup de famille appel-le genre de film qui peut rendre les adultes se sentent comme des enfants sans leur faire sentir crédules ou stupide, et qui peut divertir plus les enfants attentifs et patients tout simplement en mettant un monde mémorable et des personnages mémorables à l'écran.

La sagesse commune dit Hollywood ne fait pas ce genre de film plus. Mais il est pas vrai. Les studios font l'un d'entre eux tous les quelques mois, et s'ils sont grands ou simplement bon, ils nous donnent un répit de cliquetis, dénigrement, brûlant et boudeuse qui passe pour la fantaisie maintenant. Nous avons vu au moins trois films live-action cette année dans un "Dragon de Pete" veine: "Midnight Special", "The BFG". et "Le livre de la jungle." Ils ont tous méritent d'être pris en charge, mais un seul était. Espérons que "Dragon de Pete" sera un autre. Ce serait une honte de penser à ce genre de film disparaître de théâtres dans une brume, comme Elliott tournant invisible.

Critique du film Sausage Party 2016

Cette bande dessinée comédie qui sans relâche scabreux, en passant, à tous ceux assez vieux pour se souvenir de Ralph Bakshi, est pas une "première" de toute nature, et non pas par un long shot-ouvre avec vue sur un parking vide avec un d'arc couverte méga-marché en arrière-plan. A l'intérieur, le maïs, les fruits, les condiments et surtout les hot-dogs et leurs petits pains voisins, emballés pour le quatrième des ventes de juillet, chantent un hymne ridicule de leurs espoirs pour être «choisi» par les «dieux» qui leur offrir " au-delà de la Grande. "
"Oh," je pensais. "Est-ce que Seth Rogen et Evan Goldberg veulent être Trey Parker et Matt Stone maintenant?"

Pas vraiment, il se trouve-ce que la chanson est la seule origine dans le film. Mais étant donné que les hot-dogs et les petits pains engagent alors un échange de parler sale qui fait Cartman dans "South Park: Bigger, Longer, et Uncut" son comme Joel Osteen, "Sausage Party", réalisé par Greg Tiernan et Conrad Vernon un scénario de Rogen, Goldberg, Ariel Shaffir et Kyle Hunter, avec un crédit d'histoire va exprimer acteur et producteur exécutif Jonah Hill est spectaculairement implacable dans son blasphème et le sexe parler et étend la métaphore de l'épicerie anthropomorphes dans le territoire que vous et moi ne pourrait pas avoir même imaginé. A savoir, le méchant du film, ou plutôt méchant unique non humain, est un produit d'hygiène féminine extrêmement en colère exprimée par Nick Kroll.

Sausage Party

Une fois dans une interview le très humoristique Kevin Smith m'a dit, "Comedy est si f roi ** subjective." Je dois être honnête et dire la comédie de "Sausage Party" jamais vraiment connecté pour moi. Je me sens mal à ce sujet, parce que le casting vocal ne contient pas seulement des acteurs super-talentueux mais quelques connaissances amicales qui se trouvent être des acteurs super-talentueux. "Peut-être que je l'aime cette mauvaise herbe si je fumais encore,« Je pensais à un moment donné. moteur principal du film, Rogen, est un doge de stoner humour, et il montre incroyable discipline dans ce film en sauvant la première blague de mauvaises herbes pendant vingt minutes. Je le félicite pour cela. Et je pense qu'il est un peu drôle que "les impérissables" articles d'épicerie -trois qui permettent frank Frank de Rogen dans le fait que les dieux et l'au-delà ne sont que des mythes, et à l'extérieur du supermarché il y a seulement la mort et la consommation obtiennent leur buzz par enfumage d'un kazoo. Mais je sais pas. Même quand je ne smoke weed, il n'a jamais été mon truc préféré. et la structuration allégorique de la communauté un bagel d'épicerie nebbishy parler et une barbiche et un morceau belligérant de flatbread se substituer à l'israélienne / palestinien, par exemple, et la choucroute nazie fait des bruits d'éliminer «le jus» -surtout m'a frappé comme un stratagème opportuniste sortir avec beaucoup d'humour ethnique cruddy. la conception visuelle de l'image était similaire brut et laid, bien que le fait que l'un des personnages humains regardé comme s'il avait sorti d'un panneau comique Peter Bagge m'a donné Intimations que quelque chose d'un peu plus nettes aurait pu être accompli, si seulement ... eh bien, encore une fois, je ne sais pas.

Le film prend la vapeur quand un tas de francs "choisis" rencontrer leur macabre destin tout sauf un, Barry rabougris (Michael Cera) qui échappe et se retrouve dans les griffes d'un druggie qui, sur lui-même l'injection avec bain cuits vers le bas les sels (pas vraiment) est en mesure de voir dans la quatrième dimension et de réaliser sa nourriture a conscience. Ce souci de la «métaphysique transdimensionnelles», comme l'un de mes collègues a appelé à une discussion de dépistage après, enlève le film de la direction standard question-Bill-Maher-athéisme Je pensais que ça allait. Mais encore une fois, je didn 't tout à fait l'acheter. Je l'ai fait beaucoup de médicaments retour dans la journée, mais dans ma brève exploration de psychédélisme je jamais eu l'épiphanie que comestibles produits en masse avaient sentience. Peut-être était juste de la malchance de ma part. Une fois, alors que le déclenchement lors d'une fête de fin de semaine dans le Connecticut, j'ai eu pressentiments du cosmique tout en regardant les tiques du chevreuil explosent de la chaleur sur la terrasse de la maison où je logeais. Mais jamais un sac parler de croustilles.

Quoi qu'il en soit, cette amure continue effectivement jusqu'à la dénouement du film, la seule partie de celui-ci à disputer un petit rire de moi. Votre kilométrage peut varier, comme on dit. Aussi, étreintes pas des médicaments.

Critique du film War Dogs 2016

"War Dogs" est un film sur les gens horribles qui refuse de posséder le horribleness. Il est trop épris de ses héros de marchand d'armes désinvoltes, et même si il est emballé avec des scènes qui auraient inspiré le coup du lapin moral dans des œuvres comme "Scarface", "Goodfellas" et "The Wolf of Wall Street" pour nommer trois superbes films sur les gars qui obtiennent aussi de la drogue et la montée d'adrénaline de vivre en dehors de la loi, et que les références "War Dogs" constamment ils sont toujours ramollies par Hollywood spécieux: Ne sont pas ces gars adorables et drôles? Ne vous aimez ce que de bons amis sont-ils? Ne vous admirez leur audace? Regardez comment troublé le héros semble vous sentez-vous pas pour lui?

War Dogs

Directeur et co-scénariste Todd Phillips (la trilogie "Hangover") semblent être un idéal, ou du moins prometteuse, personne pour raconter cette histoire d'un couple de Pipsqueak Miami trafiquants d'armes qui font une fortune fournissant des fusils et des balles aux États-Unis militaire au cours de la hauteur des guerres de l'administration Bush en Irak et en Afghanistan. Mais "War Dogs," qui est basé sur un article de Rolling Stone et un livre ultérieur par Guy Lawson, n'a pas le courage de ses convictions. Tone-sage, il est partout sur la carte. Parfois, il semble regarder sans pitié à son héros et narrateur, ancien marchand de massothérapeute et drap de lit tourné trafiquant d'armes David Packouz (Miles Teller), et son ami et patron Efraim Diveroli (Jonah Hill), et les reconnaître comme avides, les hommes expédient qui ne se soucient engraisser leurs comptes bancaires. Mais d'autres fois il semble excessivement préoccupé de savoir si David et Efraim vont rester copains une fois les choses tournent au sud-comme si elle est un simple, non ironique buddy film sur les mecs de badass qui font des choses de badass, parfois au ralenti, au lieu d'un torsadée et conflictuel parodie de ce genre de film.

Pire, "War Dogs" présente à peine développé la femme de David Iz (Ana de Armas) comme une voix de la conscience qui est horrifié par les mensonges et furtivité de son mari, jamais rien de plus. Chaque fois que le film se concentre sur Iz et les problèmes de mariage de David, il confirme sa douceur. Chaque fois qu'il nous demande de prendre soin profondément de savoir si David va perdre Iz-qui châtie David pour sa malhonnêteté, puis le soutient, puis se retourne contre lui à nouveau, toujours en fonction des besoins de l'intrigue à ce moment-elle expose sa douce crémeuse centre Hollywood. Henry et Karen Colline ces deux ne sont pas.

"Wolf of Wall Street" de Scorsese qui a partagé la vedette Jonah Hill, a attiré le feu critique (comme "Goodfellas" et "Scarface" avant lui) pour la fabrication de ses protagonistes magouilleur aussi amusant à regarder comme ils étaient moralement répugnante; mais cela faisait partie de la conception du film, et si vous pensiez Scorsese et écrivain Terence Winter a réussi ou échoué, il était évident que vous étiez censé se sentir déchiré sur les personnages et la question si vous devriez avoir du plaisir à regarder les obtenir plus. Il était une variation sur la stratégie attraction-répulsion film de gangsters, où vous partagez voyage de puissance de la fantaisie du héros, puis sentir la piqûre de la réalité en lui frappant dans le visage. "War Dogs" maintient le badinage arrogant macho Scorsesean (qui peut être très drôle, grâce à l'interaction détendue entre Hill et Teller), mais il perd le ressac laid qui rend les téléspectateurs non-sociopathes se sentent un peu sale pour se sentir tellement excité. Les ventilations détaillées des points précis de transactions d'armes apparaissent comme une version des fusils et des munitions, des gars de hedge funds se vanter d'un courrier.

Le choix du conteur est une grande partie du problème du film. David, dont la vie réelle équivalente servi en tant que conseiller technique et a un camée, est dépeint comme presque aussi grand d'un blanc comme sa pauvre femme. Il est un gars sympa qui vient va à ses affaires quand Satan a montré sous la forme d'Efraim, plutôt que d'une étude rapide qui a abandonné ses deux emplois de jour et dans quelques semaines a été en mesure de gérer un peu-à-être de plusieurs millions business dollar construit sur pistolets Beretta et AK-47 obus acheté sur le pas cher et expédié dans les zones de guerre.

La meilleure chose à propos de "War Dogs" est la caractérisation de Efraim, incarné par Hill. Cet acteur dépeint blobby, sarcastiques, les hommes volatils mieux que quiconque depuis la fin, grand Chris Penn, et il est formidable ici, en utilisant rire grinçant du personnage comme un point à la fin d'un moment tendu d'exclamation, et nous laisser voir les calculs qui se passe dans cerveau reptilien de Efraim en laissant ses yeux aller nuageux. Il y a des moments où vous pouvez repérer le moment exact où Efraim décide de trahir ou de détruire quelqu'un; souvent le moment se produit lorsque Efraim insiste qu'il est tout au sujet de la loyauté et la confiance. Si "War Dogs" avait mis Efraim en son centre, il aurait obtenu plus près de son souhait apparent d'être cinglante, Scorsesean prendre sur le trafic d'armes pendant la guerre contre le terrorisme demi-comédie folle, la moitié exposer. À tout le moins, il se serait inoculé contre les réclamations qu'il est un film en toute sécurité sur un sujet dangereux. Efraim est un artiste con slobbish mais confiant qui trudges à travers la vie dans les vêtements baggy loisirs et des lunettes de soleil coûteux, gonflant son ego avec de l'argent et des armes et de dire David, «Je ne suis pas pro-guerre. La guerre se passe. Ce [entreprise] est pro-argent. " À un moment donné, il se décrit lui-même à un Irakien comme un "sale américain", affirmant franchement un stéréotype qu'il sait qu'il incarne la tête aux pieds.

Vous avez le sentiment que Efraim sait très bien ce qu'il est, mais a décidé de ne pas inquiéter à ce sujet, un scénario qui est beaucoup plus froid que toutes les scènes de David inquiétantes que Efraim est allé trop loin mais il est trop bon ami d'abandonner. Chaque fois que Efraim apparaît à l'écran, le public et le film doivent compter avec lui. Mais "War Dogs" choisit la place pour accrocher sur David et de prendre sa narration à décharge à la valeur nominale, comme si les deux Phillips et le public sont aussi crédules que Iz.

Phillips cite sciemment "Goodfellas" grâce à diverses techniques formelles (narration bavard, violence effrayant drôle, gel-frames) au point où vous avez à peu près à acheter l'idée que David est un vingt-quelque chose, 21e siècle Henry Hill. Mais "War Dogs" n'a pas les visuels de bravoure et de froideur électrisante de Scorsese en mode gangster-scumbag. Et vous ne recevez jamais le sens, comme vous le faites dans les films de Scorsese mieux racontées, que le narrateur est des choses d'ombrage pour se faire sembler plus glamour, ou moins coupable dans l'horreur qu'il était en réalité (comme illustré dans la scène "Goodfellas" où Colline décrit calmement les ramifications d'un fantassin de foule tuant un garçon sur un coup de tête, mais le film nous montre closeups du caractère regardant consterné et en détresse).

"War Dogs," en revanche, nous veut prendre David à la valeur nominale, comme un bon gars qui a fait quelques erreurs et a obtenu en cours sur sa tête avant de venir à ses sens, mais est encore fondamentalement décent. En fin de compte, il se dégage comme coupable surtout d'aimer et de faire confiance à son ami, et il n'y a presque rien dans le film à penser que ce ne serait pas toute l'histoire. Efraim, quant à lui, apparaît comme plus d'un clown, colérique scandaleux qu'un cochon visionnaire crasseux dont le manque d'éducation et de raffinement sont éclipsés par la ruse d'un prédateur. Le film le transforme en soulagement comique glorifié, si drôle qu'il ne peut pas être correctement effrayant. La plupart des personnages de la première "Hangover" semblait plus déshonorante et imprévisible que ce gars-là, et Phillips semblait pas se soucier si nous les aimions aussi longtemps que nous les avons trouvé drôle et intéressant; ici il veut aimer son peuple gluantes, trop ou tout au moins le film veut nous aimer David, et la racine pour lui de rester amis avec Efraim et reconquérir l'amour de Iz. Il est une brève dans la défense de David qui joue parfois comme si elle a été écrite par David lui-même.

Critique du film Kubo and the Two Strings 2016

L'un des éléments les plus impressionnants de "Kubo et les deux chaînes" en dehors de son animation stop-motion éblouissante, ses performances puissantes et son score de transport est le montant du crédit lui donne son public, en particulier ses jeunes téléspectateurs.
La maison d'animation basée en Oregon Laika a démontré un sens délicieusement sombre de l'humour et un goût pour la narration torsadée dans ses offres précédentes, "Coraline", "ParaNorman" et "Les Boxtrolls." Dans "Kubo et les deux chaînes", le réalisateur débuts du CEO Laika Travis Knight, le personnage principal est confronté péril mortel dès le premier moment, nous le voyons. Le jeune garçon japonais qui donne son titre au film apprend très tôt que le monde peut être un endroit cruel, que la famille ne peut pas nécessairement faire confiance et qu'il va souvent devoir fonctionner comme-up grandi dans l'équation lorsque son malade mère est incapable de le faire.

Kubo and the Two Strings

Le script de Marc Haimes et Chris Butler (d'une histoire de Haimes et Shannon Tindle) a foi que les enfants peuvent gérer une telle substance dure et ne parle jamais à eux. Mais Knight et son équipe d'animateurs massif ont emballé ces thèmes complexes de poids dans les visuels qui sont tout simplement à couper le souffle à la fois leur beauté et de l'artisanat. Une décennie dans la fabrication, "Kubo et les deux chaînes" est à la fois minutieusement détaillée et épique portée. Inspiré par une multitude de formes d'art japonais, il est texturé encore croquants, terriblement sombre encore rayonnante de couleurs vives. Il est le voyage plein d'action et d'aventure d'un héros classique, mais il est aussi une fable intime sur l'amour et la perte, de la magie et de la mémoire.

Avant toute chose, "Kubo et les deux chaînes" est ajustée sur les contes et sa capacité à transformer et à nous connecter. L'intemporalité du film lui donne un sentiment général de la grâce cinématographique, avec clins d'œil évidents à grands allant de Kurosawa et Miyazaki à Spielberg et Lucas. La résonance des performances de son excellent casting vocal lui donne un coup de poing émotionnel immédiat.

"Si vous devez clignoter, faites-le maintenant,« la courageuse Art Parkinson (de "Game of Thrones") nous avertit que le caractère de titre. Et il y a une tonne de prendre ici à tous les niveaux. La mère de Kubo face vers le bas des vagues féroces en fuyant sa famille pour protéger son fils nouveau-né, dont le grand-père arraché son œil gauche dans une rage vengeresse. Des années plus tard, dans une grotte à flanc de falaise spectaculaire surplombant l'océan, Kubo vit une vie tranquille avec sa mère fading, une sorcière jadis puissante dont les rendements auto vrai quand elle lui raconte des histoires de son défunt père, le vaillant samouraï Hanzo. Il y a un grand sentiment de mélancolie à ces premiers moments que Kubo lutte pour voir des lueurs de la mère qu'il a connu. Alors que sa solitude est palpable, sa résilience est déchirante.

Avec une frange longue couvrant son bandeau sur l'œil, Kubo quitte la grotte tous les jours pour faire tourner sa propre magie dans la place de la ville, où il cueille son shamisen luth-like et apporte ses figures d'origami élaborées thrillingly à la vie. Ces mélodies vives constituent la base de la flambée et profondément émouvant score de Dario Marianelli. George Takei et Brenda Vaccaro, quant à lui, sont parmi les acteurs prêtant leur voix aux habitants qui contribuent à créer un sentiment d'appartenance.

Mais la mère de Kubo lui a averti qu'il doit rentrer à la maison chaque jour avant le coucher du soleil, ou bien son grand-père, la Lune King (Ralph Fiennes), qui viendra après lui pour son autre œil avec l'aide de tantes jumelles de Kubo, qui ont tous deux Rooney Mara voix avec un détachement de refroidissement. (Les parents de penser à prendre vos enfants pour voir "Kubo et les deux chaînes": Il y a plusieurs images qu'ils pourraient trouver dérangeant, mais les sœurs sont le plus effrayant de tous Imaginez les jumeaux de «The Shining», flottant au-dessus du sol en noir. chapeaux et capes et masques de Nô japonais.)

Une fin d'après-midi, Kubo est pris dans l'émotion du Festival Obon, qui honore les âmes des défunts. Il reste trop tard et devient rapidement la proie, obligeant sa mère à utiliser les derniers morceaux de sa magie pour le sauver. Quand il reprend conscience, Kubo se trouve dans une rude étendue enneigée, et le charme de singe en bois qu'il porte partout est devenu une vie, la respiration, parler singe nommé, bien, Singe. Charlize Theron fait beau travail de la voix comme no-nonsense protecteur de Kubo; elle apporte l'humour pince-sans que la voix si nécessaire de la raison ainsi que l'honneur d'un guerrier et d'honnêteté.

Les deux éventuellement se rencontrer avec un scarabée nommé, bien, Beetle (Matthew McConaughey) -en fait, il est à moitié-homme, mi-scarabée qui était un protégé de Hanzo de. Alors que Monkey est toutes les affaires, Beetle est un endearingly oublieux si goofball bien intentionné. Il allège certainement des choses dans cette affaire intense, mais le badinage entre Beetle et le singe vire en une jokiness forcée hokey qui est en contradiction avec vigueur le sens de la vérité du film. Le toujours polyvalent McConaughey est un jeu pour les aventures qui attendent, mais le dialogue, il est souvent aux prises avec un maillon faible rare.

Ensemble, le trio doit trouver trois pièces essentielles qui appartenaient à Hanzo: L'armure Impénétrable, The Sword Incassable, Le casque Invulnérable. Seulement alors ils peuvent vaincre les ennemis de Kubo. Ceci étant une quête, ils doivent subir une série de batailles sur le chemin de la conclusion culminante. Le plus impressionnant d'entre eux, tant d'un point de vue technique et de la narration, est l'imposant, squelette redoutable avec des épées qui sortait de son crâne. (Restez dans votre siège pendant le générique de fin pour un aperçu de ce qu'il a fallu pour créer cette créature.) Mais le navire Kubo fouette en utilisant la puissance de sa musique et un tas de feuilles est tout aussi impressionnant dans sa beauté délicate.

Le fait que ces deux images très différentes mais tout aussi inspirés peuvent coexister dans le film un même film qui est aussi poignante pour les adultes comme il est divertissant pour les enfants-est rien de magique.